"Jackie": El incómodo Pablo Larraín

Hay directores de cine para todo, y el chileno Pablo Larraín (No, Neruda, El club) tiene clara su función: incomodar al espectador. Su última película es inquietante y en muchos momentos siniestra. Desde la utilización de esa música decadente que contraste con la aparición de la melodía de Camelot, todo en la película tiene una tensión casi insoportable: la fotografía, los planos cercanísimos, el contraste de colores primarios, los cambios bruscos de tono en los diálogos...



Con Jackie me pasa algo parecido a lo que me sucedió con Silencio de Martin Scorsese: el talento es innegable en la dirección y la interpretación, pero me costaría mucho aconsejar la película a alguien. Y creo que esto en el fondo es lo que pretende Pablo Larraín. Él ha buscado hacer una obra personal que refleje la tragedia de una personaje en constante tensión, que apenas recibe apoyo o comprensión. Así aparece ese cura distante interpretado por John Hurt que en ningún momento se conmueve y que sus mensajes transmiten todo menos piedad.

Natalie Portman hace un trabajo impresionante, es una gran actriz y sabe cómo hacer que el personaje crezca, cambie y transmita a lo largo de la película. Pero tengo dudas sobre si conviene que en los biopics el actor imite hasta el último gesto y tono de voz del personaje real. Creo que en Jackie, especialmente en la primera parte, esa forma de actuar te saca de la película. Es evidente que el director y la actriz quieren acentuar que era una mujer que actuaba constantemente, pero no sé si ese recurso está demasiado utilizado y subrayado. Tuve, y tengo, las mismas dudas con Hitchcock y la interpretación de Anthony Hopkins.



Aún así hay un buen número de escenas brillantísimas, especialmente en el último tercio, que hacen que estemos ante una película que en muchos momentos me disgusta. pero no puedo negar que hay mucho cine en la mayoría de sus fotogramas.

En cualquier caso es un película con mucha personalidad, ardua y compleja que anima a saber más sobre Jackie Kennedy. Desde luego mucho más valiosa que la mediocre miniserie Los Kennedy y menos empática y emotiva que otras brillantes películas sobre el presidente asesinado en Dallas como 13 días, J.F.K, caso abierto o Bobby.

Jackie obtuvo 3 nominaciones a los Oscar (actriz principal, vestuario y banda sonora). Natalie Portman era la candidata con mayores opciones de arrebatarle el Oscar a la mejor actriz principal a Emma Stone por La La Land, pero al final se quedó sin su segunda estatuilla (la primera fue con Cisne negro).

Calificación: 8

"Alta fidelidad": Vinilo de Nick Hornby

A este periodista, escritor y guionista británico de 53 años le debemos los argumentos de películas estupendas como About a boy (horriblemente traducida como Un niño grande), An Education o la reciente Brooklyn

Llevaba tiempo buscando esta peli sobre un anti-héroe dueño de una carismática tienda de vinilos. John Cusack (y su hermana Joan), Catherine Zeta-Jones, Lisa Bonet, Tim Robbins... y Jack Black (que aquí no está del todo insoportable, algo que ya es todo un logro). Todo ello con una banda sonora variadísima y un director irregular pero con oficio como Stephen Frears.

La pinta es buenísima, pero la película no me ha convencido. Tiene destellos de genialidad (entre ellos la escena que incluyo al final del texto), pero hay demasiadas frases vacías y humor grueso como para llegar a emocionarme. El reparto es estupendo pero el guión no está a la altura. Esperaba bastante más de esta película tan mitificada, muy lejos de los mejores libretos de Nick Hornby.

Calificación: 6

Mirar con otros ojos

Donde viven los monstruos, la película de Spike Jonze de la que ya hablé hace tiempo, es una de esa películas atípicas que ha generado entusiasmos o bostezos; términos medios hay pocos. Javier Ocaña, uno de los mejores críticos de nuestro país, no dudó en alabar este experimento tan arriesgado como digno del enloquecido director de Cómo ser John Malkovich ó Adaptation.



Yo he tardado en verla y la verdad es que me ha encantado. Comprendo que es una película muy difícil de ritmo y de personajes. Pero creo que si te dejas llevar por ella y dejas a un lado las convenciones del cine infantil actual (con cierta frecuencia bastante idiota), la película es un gran viaje a la infancia vista desde la infancia. No es una película para niños, aunque está contada desde la óptica de un niño con una visión no muy optimista sobre la infancia. Quizá por eso hay mucha verdad detrás de los miedos, las subidas y bajadas del autor-protagonista de esta historia: un niño coronado a sí mismo.

Los actores son estupendos, incluidos los expresivos monstruos (tiernos, crueles y salvajes). Y la música envuelve absolutamente la historia dándole el tono ingenuo y amable que necesitaba. Su gran banda sonora es original y expresiva; una manera muy sutil de meternos en la imaginación desbordante de un niño.

Calificación: 8.5


"El color púrpura": Y Spielberg se hizo adulto

No es la mejor de Spielberg. Ni mucho menos. Queda muy lejos de la perfección de sus obras maestras (E.T, La lista de Schindler, Indiana Jones y la última cruzada), pero si hay algo que define a los genios, y en especial a Spielberg, es que consiguen momentos memorables en sus películas más discutibles.



El color púrpura fue ignorada por los Oscar de manera insultante (11 nominaciones y ninguna estatuilla). Pero el reparto está muy bien con una recién aparecida Whoppy Goldberg impresionante en su papel protagonista, la música de Quincy Jones es sensacional (de las pocas veces que Spielberg no escogió a John Willliams) y la película tiene algunas escenas magistralmente planificadas y fotografiadas. 

Una buena historia y una notable película de un director que empezaba a demostrar que también sabía hacer drama.

Calificación: 8

"Moonlight": Traumas sin remedio

Pasará a la historia por protagonizar la escena más esperpéntica en la historia de los Oscar. Más allá del imperdonable error en la entrega de los sobres, La La Land quedará para siempre en la Historia del Cine como una película imprescindible, mientras que Moonlight será uno de esos títulos perecederos.

El argumento hace que sea difícil hacer cualquier crítica negativa porque al personaje no le pueden suceder más tragedias desde que apenas es un niño. A mí no me ha convencido demasiado, a pesar de que la interpretación, la fotografía y algunas partes del guion son de muy buen cine.



Me gusta el último tramo, lleno de minimalismos visuales e interpretativos, pero todo lo demás es simplemente correcto. Esa escena de los adolescentes en la playa que pretende ser uno de los clímax de la película transmite muy poco, al igual que las escenas que comparten madre e hijo. Es un retablo de desgracias en los que hay tonos y sucesos demasiado similares que atascan el motor narrativo y dramático. El desarrollo de los personajes también es bastante plano, con un sufrimiento inerte y pasivo en mucho momentos que no aporta algo significativo a la historia. Me costaría mucho destacar un diálogo o una escena conmovedora en la primera hora de metraje.

El director y guionista es Barry Jenkins (Nueva York, 1979) y ésta es su segunda película por la que ganó el Globo de Oro a la mejor película dramática. Moonlight estuvo nominada a 8 Oscar y finalmente logró llevarse los premios de mejor película, guión adaptado y actor secundario.  

Calificación: 6 

"Ángel": 80 años de eterna juventud

La ventaja de escuchar a personas que saben mucho de cine es que en la conversación con ellos siempre salen títulos desconocidos que despiertan la curiosidad. Ángel de Ernst Lubitsch, es la última película que he descubierto de esta manera. Interpretada por Marlene Dietrich (que ya fue El ángel azul con Stenberg en 1930), Herbert Marshall y Melvyn Douglas está basada en una obra de teatro de Melchior Lengyel.



La adaptación al cine es deliciosa gracias al trabajo de uno de los grandes guionistas de la edad dorada de Hollywood: Samson Raphaelson (El diablo dijo no, El bazar de las sorpresas, Sospecha, La dama de armiño). La película fue rodada en 1937, pero sus 80 años de antigüedad no han dejado de rejuvenecerla con unos diálogos sofisticados e inteligentes y una puesta en es escena muy sugerente de Lubitsch con sus recursos habituales: elipsis, puertas que esconden secretos, teléfonos descolgados, juegos de miradas...

Marlene está impagable con una crueldad que conocíamos y una vulnerabilidad más desconocida en sus personajes de mujer fatal. La forma de vocalizar, de moverse y expresar encanto con gestos mínimos son ya patrimonio de la Humanidad. La carga de sensualidad elegante de la película es un tesoro que deberían descubrir muchos cineastas empeñados en tomar habitualmente carriles convencionales y desangelados para mostrar el deseo entre dos personas.

Calificación: 8   

"Caos Calmo": Paolo Buonvino y Nanni Moretti

Mucho menos conocido que el también italiano Nicola Piovani (La vida es bella, La habitación del hijo), Paolo Buonvino es el responsable de esa obra de arte que es la banda sonora de Caos Calmo.



La película de Grimaldi y Moretti fue una de las grandes sorpresas que me he llevado en los últimos años. Una historia sencilla, humana y conmovedora sobre la filiación, la esperanza, el optimismo y la comprensión.

Una lástima que a la película le sobran tres minutos alienígenas de destape que parecen de otra película muy diferente. Pero con lo que realmente me quedo es con la música de este compositor nacido en Sicilia en 1968.

Caos Calmo me gustó tanto que exulté al salir del pase de prensa y escribí unas palabras que incluyeron en la promoción de la película. Sigo pensando que el una de las mejores muestras de la grandeza del talento de Moretti.

Calificación: 8

"Moonwalker": la película y "sus" tobillos

Sí. Ví su película. Más que nada por ver el Smooth Criminal completo, uno de sus mejores videoclips. La película es horrible, la interpretación de Michael Jackson es tan postiza y el argumento tan mitomano como podía esperarse de un artista genial y enfermizo.

No debe ser fácil con esa familia y sabiendo que has vendido 750 millones de discos.

En la memoria quedarán sus canciones y los primeros grandes videoclips de la Historia de la Música. Y el Moonwalker no se recordará no como el título de una olvidable película sino como el de un movimiento inimitable de tobillos.

Calificación: 4

"Seraphine": Prodigiosa Yolande Moreau

Ganadora de 7 premios Cesar (incluidos mejor película, guión y actriz), Seraphine es una película deliciosa, bellísima y profunda en su sencillez narrativa

Séraphine de Senlis fue una señora de la limpieza y pastora que vivió una vida aparentemente anodina. Vivía sola y realizando trabajos de servicio mal renumerados. A comienzos de siglo XX, Séraphine es la mujer de la limpieza de Wilhelm Uhde, un marchante alemán fascinado por los pintores modernos e ingenuos. Una noche Wilhelm descubre un cuadro pintado por Séraphine unos días antes. Fascinado, lo compra e intenta que Séraphine se dedique plenamente a la pintura y sea reconocida en París.



La historia era poco conocida y daba mucho de sí, pero también resultaba muy peligrosa a la hora de acertar con el enfoque. Más teniendo en cuenta que el personaje principal no es una simple artista sino una verdadera visionaria: alguien convencido de que el arte es un don divino (ella dice que fue su ángel de la guarda quién le pidió que empezase a pintar). En concreto, Seraphine pinta cantando y rezando lo que ha aprendido en su trabajo de servicio en un convento. Así se ve por ejemplo en un momento de creación en el que Seraphine pinta mientras canta el Veni Creator. Esta profunda religiosidad choca con el agnosticismo de Wilhelm, homosexual y distante de la religión católica. Sin embargo, como reconoce Martín Provost, el director de la película: “Mi trabajo es ponerme al servicio de los personajes”. Y en este caso no es una frase políticamente correctamente, sino que el espectador tiene la sensación de libertad, de poder moverse dentro de personajes de una sensibilidad extrema que a veces rozan la locura.

La interpretación de Yolande Moreau es realmente prodigiosa, una verdadera mimesis que escapa de los tópicos de interpretación de personajes de este tipo matizándolo y evitando los excesos. Por otro lado la fotografía y el vestuario enriquecen la profundidad de la historia. “Fui muy exigente a la hora de escoger los colores-dice Provost-. Ningún color cálido fuera de los cuadros de Seraphine, ni en los decorados ni en el vestuario. Verdes, azules, negros, nada de blanco”. De esta manera se acentúa la dialéctica entre la crueldad que rodea a Seraphine (maltratada por una sociedad elitista y distante), y la belleza de su intimidad que sólo desvelan sus cuadros.

El tempo de la película es necesariamente lento, con pausas y reflexiones muy justificadas por los temas que está tratando: el origen de la inspiración de una mujer inculta, el don de saber mirar, la relación de un artista con un Creador que trasciende. Pero estas ideas se desarrollan con sencillez, marcando distancia con cierta tendencia intelectualoide y pedante de buena parte del cine francés actual. Resulta así una verdadera delicia contemplar una película tan bella de fondo como de forma.

Calificación: 8

Curioso veneno para la taquilla

Durante muchos años se le ha criticado por muchos motivos. El más increíble es que se había convertido en veneno para la taquilla. En este blog he hablado mucho de Shyamalan, la última vez hace unos días con motivo de Múltiple. En el próximo número de Fila Siete escribo sobre la evolución de este cineasta, pero quiero hacer un adelanto.

El veneno en taquilla en cifras...


Presupuesto
Taquilla mundial
El sexto sentido
40
672
El protegido
75
248
Señales
72
408
El bosque
60
256
La joven del agua
70
72
El incidente
48
163
Airbender
150
319
After Earth
130
243
La visita
5
98
Múltiple
9
175
TOTAL
659
2654

*Datos de boxofficemojo.com. Evidentemente en el caso de “Múltiple” son datos provisionales.

El cine negro del Manzanares

Las dos partes de El crack son puro Garci. Cine negro pasado por el Chamberí de los 80, por el río Manzanares, las noches de García y las tardes con Encarna. Alfredo Landa nunca estuvo tan brillante, con esa variable ibérica de Humphrey Bogart al que no le hacía falta ni sacar la pistola. Los diálogos y situaciones son perfectas; sugerentemente complejas pero creíbles, con apariencia de espontaneidad.

De lo mejor de Garci y de la década de los 80 del cine español. Para recordarlo he escogido una de las escenas más emblemáticas de la primera película.

Calificación: 9  

Masterpiece de David Fincher

Pasan los años y La red social sigue siendo una de las películas que con cada revisión te enriquece y te sorprende con algo nuevo. Fue la película del año, una de las mejores de la década, de principio de siglo... Inteligente, moderna en las formas, universal en el contenido y muy dinámica en el ritmo.

Ganó 3 Oscars al mejor guión de Aaron Sorkin, la música electrónica de Atticus Ross, Trent Reznor y el montaje. Una nimiedad comparada con lo que merecía la mejor película de David Fincher junto con Seven.

La promoción fue muy inteligente (el trailer inicial era excepcional) y la película acabó logrando 250 millones de dólares en la taquilla internacional (costó sólo 40).

"Sé quien eres": Prometedora decepción

La última serie de Pau Freixas (Héroes, Pulseras rojas, Cites) comienza bien. Una trama con bastantes elementos originales y un reparto en el que hay actorazos (Blanca Portillo, Antonio Dechent, Aida Folch, Álex Monner). El guión sugiere mucho en los primeros capítulos más allá la trama de investigación del doble homicidio: la mentira como capacidad se sugestión, el relativismo jurídico, la lealtad... Todas estas ideas se despliegan con elegancia y buenos diálogos de doble lectura que quedan bastante naturales en boca de los personajes.



Como en todas las series policíacas el desarrollo de la trama es capital. Después de tener al espectador en vilo levantando sospechas por todas partes hay que ofrecer soluciones creativas y creíbles. Y aquí es dónde la serie de Freixas se hunde. El argumento se vuelve rocambolesco y turbio, y los personajes dejan de sorprender ante tanto secreto oscuro en la misma dirección. Se multiplican los líos inverosímiles y exagerados, así como la interrelación constante de tramas que pretenden seguir sorprendiendo al espectador. No es un problema nuevo en España, ya sucedió en Mar de plástico y, en menos medida, en Bajo sospecha.

Una vez más echo mucho de menos el talento que, entre otros, muestran los anglosajones (Broadchurch, Motel BatesHappy Valley, las dos primeras temporadas de Luther y The Killing) para no perder de vista la humanidad creíble de sus personajes, y no asfixiar la investigación a golpe de giros excesivos.

Pau Freixas de un director que mostró desde muy joven un estilo propio en Héroes y Pulseras rojas. En Sé quien eres vuelve a apuntar algunas de sus señas de identidad pero se acaba perdiendo en el enjambre argumental y los convencionalismos del culebrón hipersexualizado. Esperemos que vuelva a ser el sensacional director y guionista de sus primeros trabajos.

Calificación: 5

"Múltiple": La mutación de Shyamalan

Después de recuperar el éxito comercial con La visita, M. Night Shyamalan (le costó 5 millones e hizo más de 90vuelve a apostar por el cine de intriga y terror. Múltiple está protagonizada por James McAvoy, un actor soberbio, y cuenta la historia de un hombre con más de 24 personalidades distintas. En el mes de septiembre, viendo el primer trailer saqué las siguientes pre-conclusiones.

A priori y a favor: Actorazo, temática fascinante y un género muy trabajado por el director de El sexto sentido. La película vuelve a reducir costes y apenas tendrá 9 millones de presupuesto. La campaña de promoción será generosa y el guion lo escribe el propio Shyamalan.

A priori y en contra: En contra: Utilizar en el trailer la música de otra película de terror tan importante como La invitación no me parece buena idea. Por otro lado se sugiere la posibilidad de escenas de violencia brutal, algo que ya dañaba su película anterior. Por último habrá que ver si Shyamalan logra hacer creíble a un personaje tan peculiar.  



Múltiple se enfrenta a muchos retos casi imposibles, y en la mayoría de ellos el director de El sexto sentido sale victorioso. La rocambolesca trama se entiende y mantiene viva la atención durante casi dos horas y el actor protagonista hace un despliegue de recursos interpretativos espectacular sin dejarse llevar en ningún momento por la sobreactuación. Por otro lado, la música, la planificación y la edición son muy originales y hacen que la película tenga una coherencia interna muy meritoria. Y el principio de la película es para estudiarse en una escuela de cine: un ejemplo de síntesis que hace que el espectador entre inmediatamente en la historia.

Después de ver la película tengo claro que Shyamalan ha cambiado y mucho. Evidentemente ha dado un giro (necesario) después de las pésimas After Earth y Airbender, pero también se ha convertido en un director muy distinto al de sus primeras películas. Y es una pena. Ahora su cine es más cruel y desesperanzado porque sus personajes son profundamente tenebrosos.

También evita Shyamalan el exceso de truculencia en un argumento que favorecía mucho esa tendencia. Sin embargo la película abusa de las coincidencias argumentales, no acaba de resolver bien la trama en un final muy discutible y el desarrollo de personajes es muy desigual (de las tres secuestradas sólo una tiene algo de de entidad dramática). Antes Shyamalan impactaba y conmovía, ahora sólo impacta. Antes sus películas se quedaban contigo, ahora se quedan en la pantalla y en la butaca.

Por ahora la película ya ha logrado ingresar 150 millones de dólares en todo el mundo cuando áun le queda mucho recorrido en salas.

Calificación: 7 

Lo mejor de los Goya 2017

1º) Las películas y los premios. Ha sido un gran año y se ha elegido con bastante acierto a los mejores. Siempre se pueden discutir tanto premio a la película de Bayona (9 de 11) pero este año Un monstruo viene a verme era muy superior al resto en apartados técnicos. Me parece algo excesivo tanto premio importante para Tarde para la ira, una película con muchas similitudes con la superior película de Rodrigo Sorogoyen, Que Dios nos perdone (premiada al mejor guión en San Sebastián y que en los Goya tuvo que contentarse con el de mejor actor para Roberto Álamo por su enorme trabajo.



2º) Pedro Almodóvar. Hizo una presentación breve pero emotiva del Goya a la mejor actriz, no habló del Gobierno ni de Donald Trump e inclusó le rió las gracias a Dani Rovira. Fue para mí su mejor noche en los Goya, teniendo en cuenta que fue uno de los perdedores por una de las mejores películas que ha hecho en los últimos años.

3º) Emma Suárez. Se llevó 2 Goyas en la misma noche y los merecía. Es una actriz impresionante que en 2016 ha brillado en todo lo que ha hecho. Que reconozcan su trabajo en la desapercibida joya de Isaki Lacuesta (La próxima piel) es algo que hay que celebrar.

4º) La Orquesta. Protagonizó los mejores momentos de la gala; achicando los discursos interminables (lástima que no se atreviese con Ana Belén), recordando las mejores bandas sonoras del año, los cineastas españoles que nos dejaron en 2016 con un chelo muy atinado.

5º) Anna Castillo. Fue la más espontánea y feliz a la hora de ganar un Goya a la mejor actriz revelación por El Olivo. Iciar Bollaín tuvo su merecido momento de gloria con uno de sus últimos descubrimientos.


Lo peor de los Goya 2017

1º) Una vez más Dani Rovira. Estuvo aún peor que el año pasado y que hace dos. Mitinero, sin chispa ni inventiva, con un tono zafio y desacertado casi siempre en el tono. Esta vez casi no cantó ni bailó y en  general apareció menos. Pero sus 3 intervenciones con el megáfono, los tacones, el morreo a Karra Elejalde sonaron a oportunismo cutre y paleto.



2º) Ana Belén. 15 minutos imperdonables. Discurso interminable con su vestido de Cenicienta y sus palabras de roja pija cabreada por qué no están gobernando los que a ella le gustan. Muy pesada ella y el vídeo-repaso de su más que discutible talento y filmografía.

3º) 3 horas sigue siendo demasiado para una ceremonia, un formato que tiende a ser redundante y cansino.

4º) El discurso de Yvone Blake y Mariano Barroso en el que sólo habló con un español  de turista Yvone Blake. Ya antes de subir al escenario protagonizó uno de los gags más torpes de la gala con Rovira disfrazado de Superman y ella hablando del paquete y los calzoncillos de superhéroe. Ya en el escenario fue plomiza, lenta y evidente.

5º) La repetición de datos económicos positivos del cine español y estadísticas de impuestos, actores que viven de su trabajo, etc... Se convirtió en un tópico autobombo que acabó por estropear una buena idea de recordar que los espectadores españoles cada vez más van al cine a ver películas españolas.

6º) Manuela Vallés y Barbara Lennie fueron las peor vestidas de la gala. La primera protagonizó la canción de los Goya que a todo el mundo le produce vergüenza ajena y la segunda vino con un disfraz de Cleopatra que parecía comprado en unos chinos.

"Manchester by the sea": Casey Affleck no puede con todo

Casey Affleck es un actor formidable Ya lo demostró en la grandísima opera prima de su hermano Ben, Adiós pequeña, adiós, o en El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, por la que obtuvo una nominación al Oscar como actor de reparto.

Su última película, Manchester by the sea ha sido calificado como la gran sorpresa del cine independiente norteamericano. Apenas costó 9 millones de dólares con un reparto en el que también destacan Michelle Williams, Lucas Hedges (Lo imposible) o Mathew Broderick. El director y guionista es Kenneth Lonergan, escritor de libretos tan memorables como el de Una terapia peligrosa y director también de la prestigiosa Puedes contar conmigo (por el que fue nominado al Óscar al mejor guión).



La película es de esas que hace sufrir a sus personajes y que pretende mostrar sus vida traumáticas sin juzgarlas en ningún momento. Interpretativamente la película es impagable, sobre todo por el trabajo de Casey Affleck, en un personaje muy dramático y muy de Oscar que desecharon entre otros Matt Dammon. Por ahora ya ha ganado merecidamente el Globo de Oro al mejor actor y también está nominado al BAFTA.

El principal valor de Manchester by the sea es que tiene un puñado de escenas muy brillantes de composición visual, música, montaje y guión, la mayoría de ella en el primer tercio del metraje. En el resto, la película es muy desigual. Los personajes se quedan atascados en su evolución dramática y acaban teniendo poco recorrido. Son como son y no están dispuestos a cambiar y eso mata una película de 123 minutos.



El personaje de Lucas Hedges es muy representativo del esquematismo y simpleza de algunos personajes. Es un adolescente egocéntrico más que sólo piensa en 2 o 3 cosas y le da bastante igual todo lo demás. Y Michelle Williams, una actriz increíble, tampoco acaba de ser más una sombra de un personaje roto cuyo arco dramático es mínimo. Hay muchas escenas insustanciales, con escaso interés narrativo que hacen que la historia se repita a sí misma y no avance en el conocimiento de los personajes. El guión y su fuerza emotiva dependen demasiado de una gran tragedia estratégicamente diseñada para impactar y, una vez contada, la película vive de las rentas. Y de Casey Affleck, que se queda como único faro para mantener el rumbo de la historia.

La película ha sido nominada a 6 Oscar (incluidos mejor película, director y guion original) y es favorita en la de mejor actor para Casey Affleck, que tiene en Ryan Gosling por La La Land, su principal competidor.

Calificación: 7

El mejor homenaje al cine negro

1997 fue el año de Titanic, la película más taquilera, más oscarizada… Sin embargo, ese año hubo una obra maestra en la que se puede decir que todos los que participaron en ella dieron lo mejor de sí mismos: L.A.Confidential, la película del recientemente fallecido Curtis Hanson.

Kim Basinger nunca estuvo tan bien (justísimo el Oscar a mejor actriz secundaria) como en este papel de actriz imitadora de Veronica Lake. Lo mismo se puede decir de los entonces primerizos Crowe y Pearce



Pero, sobre todo, esta película supone una cima probablemente insuperable en la carrera del director Curtis Hanson (La mano que mece la cuna8 millasEn sus zapatos) y del guionista Brian Helgeland (ConspiraciónDestino de caballeroMystic RiverRobin Hood). Todos estos méritos hacen que los dos Oscar concedidos a la película (guión y actriz secundaria) sepan a poco. Hay pocas películas de los 90 tan rotundas (Sin perdónMaster and commander, quizá Pulp Fiction, otra que se llevó una sóla estatuilla frente a las 6 de Forrest Gump).

Calificación: 9

"Vivir de noche": La dura caída de Ben Affleck

No me esperaba una caída tan dura del mejor director norteamericano de cine policíaco del siglo XXI. A finales de septiembre hacía esta precrítica esperanzada de la película de Ben Affleck.

Hace meses escribí una carta bastante dura al último Batman, y ahora mismo acabo de ver con fascinación el trailer de tu próxima película como director.

No sé si será una obra maestra, pero apunta a ser otra de sus grandes películas. Está basada en una novela de Dennis Lehane (escritor también de tu magnífica opera prima de Ben Affleck: Adiós pequeña, adiós), con música de Gregson-Williams y fotografía de Robert Richardson. Por si fuera poco, esta historia de gangsters está situada en Boston, donde nació y localizó sus dos primeras películas como director.



El reparto además es muy brillantes: Sienna Miller, Zoe Saldana, Elle Fanning, Chris Cooper, Scott Eastwood, Brendan Gleeson, Chris Cooper y el mismo Ben Affleck sin la desagradable coraza de hombre murciélago.

La película se estrena en Estados Unidos en diciembre y en enero en España. Espero que vuelva a demostrar que es uno de los cineastas que más ha aportado a la modernización del cine negro.

Desgraciadamente nada que ver con la realidad. Vivir de noche no funciona en ningún momento. Ni en el guión, ni en la planificación, ni especialmente en la interpretación de Ben Affleck. Todo le queda mal al cineasta de Boston; hasta las chaquetas de gangsters le quedan grandes. Y esos diálogos tan primerizos, la voz en off que narra todo y no aporta casi nada.

Falta sofisticación, elegancia, sutileza... En definitiva, cine negro. La película se hace eterna porque es postiza, reiterativa y previsible. Y dura 129 minutos. No me esperaba algo así. Una caída dura después de que Affleck reviviese como actor en El contable.

Calificación: 5

Comments System

Disqus Shortname