Top 10 de Vídeocríticas (actualizado 24.11.2017)

Hace unos años me aconsejaron hacer Vídeo-críticas cuando fuese a festivales de cine. Estas son las 10 más vistas.

1º) La más taquillera: la de la peli de Bayona, saliendo del Cine Principal de Donosti porque la música estaba muy alta. Cosas del directo.



2º) Vigalondo me volvió a hacer disfrutar con una propuesta muy arriesgada que creo que le salió bastante bien.



) Entre la comedia y el documental, Selfie cuenta la historia de un niño bien, hijo de un político corrupto.



4º) La peor de todas las pelis españolas que he vistos en años. La crítica más ácida. Sigo creyendo que la merecía.



5ª) Patrocinada por Alex de la Iglesia, esta película retrata lo más sórdido de personas traumatizadas por cuerpos deformes.



6º) Rubén Darío se enamoró de Paca y yo de Irene Escolá. Pero no de esta película...




7º) Este cortometraje de Rodrigo Sorogoyen es magistral en el uso de la elipsis, la interpretación y las localizaciones. A Hitchcock le hubiese encantado.



8º) Película perfecta de un director que me ha dejado de piedra. No me esperaba algo tan gigante de un cineasta con una filmografía tan discutible como Francoise Ozon.



9º) Los directores de Loreak cuentan una historia verdadera que parece una leyenda




10º) Curioso documental sobre un posible tsunamí en las costas españolas. El tema es más inquietante que la película.




"La librería" preciosa de Isabel Coixet

Al acabar de ver la última película de Isabel Coixet en un cine lleno de mujeres una de ellas no se pudo contener y dijo en voz alta: "¡Qué bonita!". Era verdad. Es una película preciosa, que no preciosista. Bella en cada plano, cada paisaje, en esa decoración de interiores y esos vestuarios tan cálidos al estilo escocés. En ese clima de belleza los actores transmiten delicadeza y humanidad, crueldad y envidia, gracia y pecado.

Emily Mortimer, Patricia Clakson y Bill Nighy son los actores más conocidos del reparto y están, como siempre, superiores. Pero no son los únicos, el amplio elenco de actores están sobresalientes. Quizás a la película se le podía haber pedido más en algunos momentos en que las posibilidades de la historia quedan un poco desaprovechadas. Aún así me alegro de que Isabel Coixet haya realizado una película tan concreta y lírica, sugerente y contenida a la vez. Hay 5 o 6 escenas que se te quedan grabadas; algo que no me sucedía desde Mi vida sin mí y La vida secreta de las palabras.

Supongo que hablaremos mucho de esta película a lo largo de este año. Merece estar entre las más premiadas.

Calificación: 8´5




"American Assassin" no funciona ni como videojuego

Algunos defendieron Matar al mensajero, la anterior película de Michael Cuesta. A mí me dejo indiferente a pesar de tener una buena historia. American Assassin ya contaba con que no me iba a entusiasmar por la historia, mil veces vista, de "soy fuerte, americano y voy a mataros a todos los que habéis matado a la gente que quiero, hijos de perra".

Con ese argumento se han hecho obras maestras como Sin perdón de Clint Eastwood o Braveheart de Mel Gibson. Michael Cuesta no ha pretendido hacer algo tan grande, pero al menos podía haber logrado una película entretenida con buenas coreografías en las peleas, algún giro imprevisto, frases a lo Vin Diesel. No hay nada de eso. La historia y los personajes ni se acercan al carisma que hemos disfrutado en El fuego de la venganza o Shooter de Antoine Fuqua, y La extraña que hay en tí de Neil Jordan. O en una versión más cómica en Noche y día, Los mercenarios 2, Kingsman o Misión imposible 4.

American Assassin no da ni para un videojuego de matar a terroristas. Ni siquiera Michael Keaton da un poco de entidad dramática a esta película de mitad de tabla para abajo.

Calificación: 5

Destripando a "Thor"

"Aunque tampoco es decir mucho, 'Thor: Ragnarok' es fácilmente la mejor de las tres películas de 'Thor', o quizá es que piense eso porque por primera vez los guionistas y yo coincidimos en una cosa: los films de 'Thor' son absurdos." 

Peter Debruge: Variety 

No tengo mucho más que decir. El director, guionista y actor neozelandés Taika Waititi ha sido fiel a su estilo gamberro y se ríe a gusto del personaje más aburrido y tieso de Marvel. Sólo hay que ver algo de sus dos anteriores películas para comprender que los que le contrataron sabían a lo que se exponían.



Chris Hemsworth confirma lo que ya demostró en La cabaña del bosque, la entretenidisima locura de Drew Goddard y Joss Whedon: es un cómico excepcional. En esta tercera parte de Thor se ríe de su sombra con mucho arte, sin exagerar ni dejar vencerse por un cierto pudor por salvar el personaje. La película es de lo más divertido que he visto en bastante tiempo. Si no durase 130 minutos y la trama tuviese un poquito más de interés sería una de las mejores películas de superhéroes de los últimos tiempos.

La película ha costado 180 millones y ya ha logrado ingresar 740. Y aún le queda carrete para rato. Con Spiderman Homecoming y Wonder Woman, lo más original que ha salido del cine y la televisión de superhéroes en 2017. 

Calificación: 6´5



15 años de "Chanante"

Me da pena el cierre de Likes en #0, pero su cierre ha sido a lo grande con el aniversario de La hora Chanante. En este blog he puesto varias veces a estos cómicos marcianos que imitan con el mismo acento de Cuenca a Lars Von Trier, Pablo Iglesias, Gorbachov o Yoko Ono. Es un humor más inteligente de lo que parece y muy original. Romper tanto el molde en comedia me parece complicadísimo. Esta entrevista es sensacional.

"The Good Doctor": Imperdonable glucosa

Me esperaba mucho más de una serie creada por David Shore (House) y protagonizada por el inconmensurable Freddie Highmore (Motel Bates). No comprendo el ataque de sensiblería que afecta a la serie de principio a fin. Los recurrentes flashback de la infancia del protagonista con una fotografía difuminada y música “entrañable” son dignos de una serie floja del Canal Disney. Y el intento de manipular al espectador con esa historia traumática y forzada hace que la serie pierda en credibilidad y emoción verdadera.

Igualmente la serie combina algunos diálogos elaborados con otros ahogados en simpleza y frivolidad. Y hay muchos problemas en un hospital que no se solucionan con energía positiva. Eso quedaba muy claro en House, y también en la serie catalana Pulseras rojas.

Otra prueba de que los personajes de esta historia viven de la trampa es el abuso de la música. Sin llegar a los niveles de Anatomía de Grey (donde prácticamente conectaban con el audio de Kiss FM), The Good Doctor pide auxilio a melodías sentimentales impersonales con demasiada frecuencia. El problema no es sólo de cantidad sino de calidad, como bien ha quedado demostrado en la serie This is us, un ejemplo en casi todo, incluido la banda sonora.

En definitiva, The Good Doctor es una serie tan amable como desaprovechada.

Calificación: 6

"Le fils de Ioseph" de Eugène Green

Acercarse a una película así requiere pausa. Parar el ritmo frenético de la rutina diaria y mirar con paciencia. Eugène Green ha realizado una obra de arte que utiliza un lenguaje que él mismo ha creado. Aunque utiliza acentos que recuerdan a Dreyer, Bresson, Tarkovski, Bergman o Kaurismäki, sus palabras suenan de una manera distinta. La película habla de una conversión profunda, de un adolescente que aprende a sonreír por dentro y por fuera al descubrir un verdadero padre.


Este director francés utiliza imágenes de la Sagrada Escritura como el sacrificio de Isaac, representado en la película en un cuadro de Caravaggio que el protagonista tiene colgado en su habitación. La historia se centra en diálogos que van a la esencia de realidades trascendentes: Dios, creación, belleza, filiación. Una vez asimilado el estilo del director resulta fácil entrar en el alma de los personajes y percibir los detalles y la grandeza de su humanidad en contacto con lo sobrenatural.

El cine en búsqueda de los trascendentales ya tiene una nueva obra maestra en su catálogo. Una reciente y tan renovadora como Converso de David Arratibel, Disparando a perros de Michael Caton-Jones, Verbo de Eduardo Chapero-Jackson, El árbol de la vida de Terrence MalickMaktub de Paco Arango y De dioses y hombres de Xavier Beauvois. Estos directores, junto el maestro Mel Gibson y sus tres maravillas sobre el Creador y las criaturas (El hombre sin rostro, La Pasión de Cristo y Hasta el último hombre) siguen confiando en el cine como la máxima capacidad de expresión del ser humano que mira hacia Dios.   

Calificación: 9

"Smoking Room": Opera prima y Gran Reserva

En 2002 Roger Gual presentó su opera prima en el Festival de Málaga. Una película con un presupuesto muy pequeño pero con mucho talento en la planificación, el guión y los actores. Hoy la película es ya una de las mejores de su generación. Un retrato del mundo salvaje empresarial en el que la humanidad de los personajes se persigue sin piedad.

Se podrían recordar muchas escenas pero yo me quedo con el diálogo en la azotea entre Antonio Dechent y Eduard Fernández. Una versión patria de Un día de furia en una localización muy underground. El careo no tiene desperdicio por la tensión visual, la interpretación de esos dos genios y el dramatismo tragicómico que desprende la escena.

El montaje y los primerísimos planos crean una atmósfera asfixiante. No me extraña que el guion de la película haya dado pie a una representación teatral en el que han entrado nuevos actores como el emergente Miki Sparbé.

Roger Gual rodaría después la discreta Menú Degustació y la extraordinaria 7 años.

Calificación: 8





 

"Stranger Things 2" pierde

Strangers Things fue una de las mejores noticias de la televisión en 2016 y la expectación por esta segunda temporada era peligrosa. Un año de preparación con algunos trailer sensacionales.



Pero ya no es lo que era. Stranger Things 2 pierde porque pierden los personajes. Todos y cada uno de ellos. ¿Y a quién le importan los alienígenas? Si los hermanos Duffer habían logrado un producto que recuperaba lo mejor del cine spielbergiano no era por los "strangers", sino por esa simpatía que había en la relación entre personajes a lo Stand by me. Y no era sencillo, ya que en dos décadas sólo Pau Freixas y Albert Espinosa habían logrado reproducir esa magia en Héroes o Pulseras rojas.

Es verdad que en los 3 últimos capítulos de esta 2ª temporada se le da un poco de dinamismo a una historia que empezaba a ser muy previsible. Pero no basta con eso. Los nuevos personajes no interesan a nadie. Ni la niña del patinete, ni el macarra de toda la vida... Ni por supuesto esa nueva colección de científicos que no se sabe muy bien qué pretenden. Tampoco hay escenas emotivas provocadas por la aparición de canciones sorprendentes, ni una evolución sugerente de las historias de amor adolescentes. Es un problema de guion, de diálogos sin chispa, de una pereza de imaginación en volver a terrenos ya trillados en la primera temporada.

Cuando termina el último capítulo y veo ese ese último plano... Qué pena. Qué pocas ganas de una nueva temporada. Me sucede lo mismo que cuando escucho en esa escena final a canciones como Time after time o Everybreath you take. Una conclusión Kiss FM que acaba por matar la magia a base de rutinas.

Calificación: 6

El dichoso chalecito de Alfredo Landa

Si los norteamericanos tienen su bandera en la puerta y su jardín con barbacoa, en España, desde la década de los 70, tenemos nuestro chalecito en la sierra. Todo un símbolo de una sociedad del bienestar tan artificial como la que tiene el pueblo yanki.



Garci empieza esta película de 1979 con la primavera de Vivaldi y a partir de ahí se encadenan aciertos en un guion que desprende autenticidad ibérica de la transición. Es curioso que este director madrileño tenga esos altibajos tan grandes en su filmografía, combinando cine veraz y descomplicado con personajes de carne y hueso con un cine tan postizo y engolado como el de sus últimas películas.

Alfredo Landa y María Casanova, protagonistas también de El crack, están increíbles.

Me encanta el cartel, muy setentero y casi de Ciencia-Ficción.

Calificación: 8

 

"La ciudad frente a mí": La justicia era ÉL

Dicen que cuando los norteamericanos quieren médicos, abogados o detectives lo primero que hacen es hacer una serie o una película que lleve en esa dirección a las nuevas generaciones. La ciudad frente a mí es de esos clásicos de los que uno sale queriendo ser Paul Newman, o al menos su personaje en esta película. Anthony Judson Lawrence es un abogado que desde una condición social humilde logra ser uno de los grandes abogados de Philadelphia.

Esta película fue dirigida en 1959 por Vincent Sherman, uno de esos cineastas desconocidos y eficaces de 3ª línea del Hollywood dorado que aquí logró su mejor film. Logró 3 nominaciones a los Oscar al mejor vestuario, fotografía y a la interpretación secundaria de Robert Vaughn. Todas estas candidaturas eran muy merecidos ya que la película tiene una factura impecable, coherente con un actor protagonista que era una estrella radiante en cada plano. Paul Newman era la escultura apolínea, perfecta en todos los detalles, pero además lograba transmitir la credibilidad y humanidad de otras estrellas consagradas como Gregory Peck, Henry Fonda o Gary Cooper.

La película es larga y tiene una estructura dramática bastante original, melodramática y sorprendente para el espectador. A lo largo de los 135 minutos de metraje la historia está llena de tramas secundarias de interés, además de giros y diálogos inteligentes. Un clásico aún radiante con casi 60 años de vidas bastante relegado en las cronologías de la Historia del Cine.

Calificación: 8



"The Meyerowitz Stories": Otro Baumbach menor

A pesar de tener un repartazo y uno de los directores-guionistas más interesantes de Hollywood, ésta película de Netflix presentada en Cannes es muy prescindible. Se ve con agrado y tiene buenos giros, apuntes... Pero en general se pasa por ella sin que ninguna de estas pequeñas historias en torno a una familia norteamericana con bastantes elementos extravagantes llegue a brillar. Se echa de menos la creatividad cómica y dramática que sí había en otras películas de Noah Baumbach como Frances Ha o Mientras seamos jóvenes.

The Meyerowitz Stories en definitiva sigue la línea, más bien rutinaria, de Mistress America, su anterior película.

Calificación: 6

El documental más completo sobre Steven Spielberg

Aunque muchos rebajan su status tildándole de "patriotero", "ternurista" y otros apelativos que parte se ha ganado, Spielberg es uno de los más grandes directores que dado Hollywood. En mi opinión sólo Woody Allen y Clint Eastwood han dado tanto al cine norteamericano.

En este documental de la HBO se procura dar una versión definitiva de la vida y obra de Steven Spielberg, algo que muchos han intentado antes con libros y documentales. Y creo que el trabajo es satisfactorio y el enfoque bastante profundo. Aunque se pasa muy por encima de sus mayores fracasos (algunos en cine y muchos más en televisión) y las menciones a todo el equipo que ha hecho posible a sus películas resulta muy escueto, en general este retrato favorable es un acercamiento personal y acertado.

Toda la relación de Steven Spielberg con su padre y su dificultad en el trato social, hechos biográficos fundamentales que han influido en sus películas, están muy bien explicados. También su evolución cinematográfica, el estilo visual que le ha hecho famoso y el modo que tiene de dirigir a los actores. El documental dura 150 minutos pero eso no importa demasiado porque resulta fascinante de principio a fin por la variedad de testimonios y películas comentadas.

Calificación: 8



 

Shakespeare en franela

Hacía tiempo que no veía algo tan lamentable. Esta serie sobre la juventud de William Shakespeare ha sido dirigida entre otros por Shekar Kapur, el director indio conocido por su cine histórico de discoteca y colorcicos (las dos películas sobre la reina Isabel I Tudor que encumbraron a Cate Blanchett).

Pero el principal responsable de esta serie es su creador: Craig Pearce, guionista habitual de las mejores películas de Baz Luhrmann (Romeo y Julieta, Moulin Rouge, El gran Gatsby). Con Will da rienda suelta a su imaginación y a su estilo postmoderno haciendo una recreación anacrónica y hortera de uno de los mejores dramaturgos de la historia de la literatura. Y ahí ves como Luhrmann tendrá sus limitaciones, pero es maestro que hace que elementos tan chillones y diversos tengan una unidad y significado. Algo que no se logra ni por asomo en esta serie.


Aparte de incluir música moderna y vestuario de colores chillones más cercano al look de las drag queen que al del público del teatro isabelina todo en Will resulta saturado y alucinógeno. Ni rastro de la magia de los clásicos que sí que había en Romeo y Julieta o El Gran Gatsby, o del poder visual que indudablemente tenía Moulin Rouge. Una vez más la aparición de la religión viene unida a intolerancia radical y violencia desmadrada y por supuesto la idea platónica del amor se sustituye por el sexo trivial e inmediato. Así que la originalidad brilla por su ausencia en una opereta plomiza de personajes sin vida en medio de decorados del estilo rococó más rancio.

En el reparto no hay rostros demasiado conocidos y me resulta difícil cargar contra ellos porque no sé que diablos se puede hacer con esos diálogos, ese vestuario y esos decorados. Supongo que yo haría lo mismo: cobrar y procurar que la serie no pase de 1ª temporada (no parece que sea el caso). Además teniendo en cuenta que el protagonista, Laurie Davidson hace su primer trabajo, tiene un gran mérito de su parte estar más o menos digno.

Ahora que ya sabemos los verdaderos motivos que llevaron a Shakespeare enamorado a ganar el Oscar a la mejor película, es triste que haya una serie que insista en el perfil más superficial y hedonista de este inmenso genio literario.

Calificación: 3

El color de Minnelli y la voz de Judy

Vincente Minnelli nació en 1903 en Chicago y murió en California en 1986. Hizo 10 o 12 obras maestras, muchas de ellas musicales (Melodías de Broadway, Brigadoon, Un americano en París), pero también dramas (Cautivos del mal) y comedias incontestables (El padre de la novia). Con Cita en San Luis logró en 1944 ser su primer gran éxito en taquilla. Fue la segunda película más vista en los cines norteamericanos del Hollywood dorado sólo después de Lo que el viento se llevó.

En esta película Minnelli conoció a Judy Garland, que acabaría siendo su esposa en un matrimonio tortuoso que, sin embargo, funcionó a la perfección en otras películas que rodaron juntos como El pirata con Gene Kelly. En 1944 ella tenía 22 años pero ya era una estrella que había brillado con apenas 19 años en uno de los grandes clásicos del cine: El mago de Oz (1939).



Todo lo que pueda decir del entusiasmo que genera este musical resulta cursi e insuficiente. Si el cine es movimiento, color y música, Minnelli lo atrapa a la perfección desde ese inicial plano secuencia con el que se abre la estación del otoño.

No hay demasiados bailes pero hay dos de ellos prodigiosos, uno en la fiesta y otro en el tranvía. Ahí te das cuenta que la voz de la joven Judy y su encanto en cada uno de los movimientos están en el mejor entorno posible.



Cita en San Luis es entrañable, universal y sincera como muy pocas películas lo han logrado en el cine. Cada uno de sus personajes está definido con tanto detalle y humanidad que la historia nunca decae, insertando la música, las canciones y los bailes en el momento preciso. Todo ello con un diseño de arte del maestro Cedric Gibbons en el que resaltan los colores pastel y el famoso rojo Minnelli.

Era la primera gran película de Minnelli y evidentemente no fue una casualidad. Es uno de los grandes directores de la Historia del Cine y ganador de un Oscar al mejor director por Gigi en 1959.   

Calificación: 9

La decadencia mortecina de "Babylon Berlín"

En los últimos años 20 en Berlín una brigada antivicio investiga una red de pornografía asociada a la mafia rusa. Tom Tykwer (Corre Lola, corre, The International, Sense8) es el creador de esta serie alemana, la más cara  de habla no inglesa realizada en Europa. En los primeros capítulos queda claro su equidistancia con Boardwalk Empire, una ficción con la que comparte aciertos y errores.

La recreación de la época está muy cuidada en el vestuario, las localizaciones y la decoración de interiores. Esa atmósfera pre-bélica de tensión insostenible está muy logrado. La historia se centra en una trama de cine negro de gangsters y putas que Chandler o Hammett abordaron con indudable maestría en la literatura así como Billy Wilder, Fritz Lang o Houston en la pantalla grande. Pero aquí no hay esa sofisticación en los diálogos y ese encanto en la evolución de los personajes.



La aportación inestimable de Bryan Ferry

La serie tiene algunos momentos sensacionales que sorprenden en una historia plomiza, farragosa y muy ofensiva. Son las escenas en las que adquiere protagonismo el septuagenario cantante y compositor Bryan Ferry, que ha creado varios temas para la serie. El más imponente es Zu Asche, Zu Staub (A las cenizas, al polvo), una canción de tono decadente utilizada en los créditos de la serie y en una escena de cabaret muy elaborada en planificación y coreografía. Probablemente se trata de una de las mejor canciones compuestas para una serie de televisión en estos momentos de máximo esplendor de la pequeña pantalla.




Hay algún personaje maquiavélico construido con pericia, pero la serie no acaba de arrancar. Quizás sea porque el protagonista es un detective demasiado gris que interesa muy poco. Y en este género el policía tiene que ser aún más retorcido, seductor y corrupto que el gangster.

En el primer episodio Tom Tykwer incide especialmente en lo más sórdido, recreándose en una excesiva escena de pornografía blasfema que resulta innecesariamente ofensiva y explícita. Sin embargo el cineasta alemán no profundiza en los personajes ni en una investigación policíaca que carece de emoción, astucia y sorpresa.

Lo mejor de la serie es un reparto espléndido de actores alemanes de primera línea como Volker Bruch (RAF. Facción del Ejército Rojo, El hombre del corazón de hierro), Live Lisa Fries (La ola) o Leonia Benesch (The Crown, La cinta blanca), además del reconocido actor ruso Waléra Kanischtscheff (Somos la noche, En tierra de nadie)

Calificación: 6



"Los Hollar": Entrañable y bonita.... ¿Y qué?

Puede parecer que lo digo con mala intención. En absoluto. Hacer una película de sentimientos que reflejen la bondad humana es mucho más difícil que su contrario. Y una película buenrollista sentimentaloide y postiza es de lo más insoportable.

El actor John Krasinski (uno de los descubrimientos de la serie The Office) es director, productor y actor de esta amable película que cuenta la vida de una familia norteamericana de clase media, dos hijos, varias separaciones y divorcios, enfermedades, dificultades para afrontar la crisis económica. Todo bastante convencional pero contado con gracia y originalidad, con música indie ajustada a cada momento sin excederse en la duración.



El guion lo firma Jim Strouse (La vida sin Grace, Conociendo a Jim, Personas, lugares y cosas), uno de esos escritores experto en desarrollo de caracteres y en historias pequeñas.

En el reparto de la película estan un grupo de actores de esos que uno se lo llevaría envuelto y de regalo a cualquier lugar del mundo. Empezando por Margo Martindale (que me ganó en la 2ª de Justified), Richard Jenkins, Anne Kendrick, Sharlto Copley y el mismo Krasinski, uno de esos actores que irradia humanidad y bondad.

Los Hollar tiene humor y también emoción dramática con un metraje perfectamente ajustado a una historia pequeña y bien desarrollada. Aunque algunos personajes no acaban de estar bien cerrados, los protagonistas tienen un arco bastante completa que hace muy fácil conectar con ellos.

Calificación: 7  

"The Wizard of Lies": Devastadora

Esta película para televisión de la HBO cuenta la historia del que quizás sea el mayor estafador de la historia. Bernard Madof es el paradigma de la burbuja financiera que acabó por explotar en la crisis económica en Estados Unidos en 2008. Robert De Niro abandona sus maneras habituales y compone un personaje carismático y patético. Le acompañan en el reparto Michelle Pfeiffer como su mujer y Alessandro Nivola y Nathan Darrow como sus hijos, herederos de la culpa de su padre.

A mitad de película hay un tramo convencional y farragosa lleno de pesadillas que se podía haber ahorrado para que el metraje no llegase a los 133 minutos. Por lo demás, el guión es mordaz e inteligente al mostrar una tragedia desde diferentes perspectivas: los defraudados en la familia, accionistas, amigos, el desconcierto de los empresarios, la indignación popular, el cuasi-autismo infantil de Madof a la hora de dar explicaciones.

Barry Levinson, un director que no suele generar demasiado entusiasmo, se pone al nivel de sus mejores películas (La cortina de humo, Rain Man) y logra una película cruda e impactante. La escena del protagonista haciendo negocios en medio una fiesta con el sonido del tambor y los platillos como elemento de tensión es la más brillante de la película junto con un maravilloso plano final de Robert De Niro.

Calificación: 8

"Un italiano en Noruega": Lógico taquillazo

Checco Zalone es una especie de Santiago Segura en Italia, pero más elegante. Actúa y escribe el guion de sus películas que son siempre comedias muy italianas de éxito asegurado. Aquí interpreta a un funcionario que está dispuesto a lo que sea con tal de no perder su puesto cueste lo que cueste.

La película es divertida si se acepta la ligereza y los excesos acompañados de un buen número de golpes de humor ingeniosos que sigue el esquema tan trillado de Bienvenidos al Norte. Metraje corto y buen ritmo, con una banda sonora que va de Romina Power y Al Bano a Celine Dion. Un entretenimiento para un público amplio que no suele caer en la zafiedad.

Calificación: 6

"Blade Runner 2049": Ni ridícula ni fascinante

Después de meses de espera ayer pude ver la última película del que para mí es de los 3 o 4 mejores cineastas del momento: Dennis Villeneuve (PrisonersSicario o La llegada). Y en resumidas cuentas esta secuela no es ni tan ridícula como las últimas de Alien, ni tan fascinante como la obra original de Ridley Scott de 1982.



Lo mejor de la película son algunos giros de guion de Hampton Fancher que dan lugar a escenas muy logradas, la mayoría de ella en la segunda parte de la película. El argumento no repite lo que ya vimos sino que avanza notablemente en una evolución de personajes e historia muy sugerente. Además, visualmente la película tiene diseño propio, no tan rompedor como lo fue en el 82, pero no defrauda a las expectativas.

Ryan Gosling durante buena parte de la película vuelve a adquirir ese tono hierático heredero de Drive que tanto daño le ha hecho en su carrera y del que pensaba que había prescindido para siempre después de bordarlo en La La Land. En la segunda parte su personaje crece y él mejora, pero ninguna de los dos llega tan lejos como debería para que la película sea la obra maestra que podría ser con un argumento así.



Harrison Ford hace un breve pero brillante trabajo, al igual que Ana de Armas. Tenía un recuerdo horrible de esta actriz (aún tiemblo con el recuerdo de Por un puñado de besos), pero hay que reconocer que está muy bien con ese personaje novedoso tan difícil de interpretar. También intervienen Jared Leto y Robin Wright-Penn, pero sus personajes son más impersonales.

A pesar de todo esto la película se me ha hecho muy larga. A esos 163 le sobran 40-50 minutos claramente, sobre todo en una primera hora bastante plomiza. Esto hace que tardes mucho en conectarte a unos personajes que se pierden en el espectáculo visual, algunas redundancias agotadoras (la misma publicidad erótica que vemos hasta 3 veces) y varios diálogos muy evidentes, muy poco "noir". La película es solvente en casi todo el metraje pero no fascinante y espectacular.

Otro factor que no acaba de funcionar es la música, elemento clave de la carismática película de Ridley Scott.  Desgraciadamente Villeneuve se ha desentendido de el compositor que hacía volar películas como Sicario o La llegada y ha contado con Hans Zimmer que hace un trabajo muy poco destacable, a año luz de la intocable banda sonora de Vangelis de la película original.

Calificación: 7´5

"Cascos blancos": Bajo los escombros

Este mediometraje ganó el Oscar al mejor documental el pasado mes de febrero. Sigue el trabajo en Siria de 3 cascos blancos (voluntarios civiles que arriesgan su vida para descubrir supervivientes tras los ataques aéreos). 

El director de Cascos blancos es el británico Orlando von Einsiedel, cofundador de la productora Grain Media y que ya mostró su valía en dos documentales muy premiados: We Ride: The Story of Snowboard (2013) y Virunga (2014). En esta ocasión su película se centra en testimonios y en imágenes reales de los servicios de rescate. Sorprende como este equipo de civiles se profesionaliza en tan solo un mes de curso intensivo. A pesar de esta escasa preparación no dudan en prepararse para sus intervenciones nada más escuchar el sonido de los aviones militares, antes incluso que haya comenzado el bombardeo.

Las imágenes reales de cámara en mano muestran el riesgo de este grupo compuesto por hombres de entre 25 y 40 años, y también de los operadores que les acompañan para filmar el documental. Aunque se muestra el caos y la destrucción que generan los bombardeos el director no muestra a los cadáveres y heridos de guerra que vemos diariamente en los telediarios. El enfoque de este documental se centra en los cascos blancos como una fuente de esperanza en medio una masacre diaria de la población civil.

Este cuerpo de rescate asume como propio un lema del Talmud que también fue utilizado en La lista de Schindler de Steven Spielberg: “Quien salva a una vida, salva a toda la Humanidad”. Algo que no deja de sorprender en un grupo de musulmanes, pero que se explica muy bien viendo su capacidad de servicio humanitario, más allá de cualquier diferencia racial o religiosa.

Calificación: 8

"The Leftovers 3": Cierre por adelantado

Siempre ha sido una serie muy pensada para generar adictos y devotos desde la peculiaridad. En las dos primeras temporadas yo era uno de ellos. Pero ya la tercera y última temporada me ha agotado. No han renovado las bandas sonoras (los más original ha sido una versión más del Canon de Pachelbel) y los nuevos giros son más de lo mismo. Otras series se lo pueden permitir porque no dependen tanto de la sorpresa como ésta, pero Leftovers necesitaba reinventarse por tercera vez y creo que no lo ha conseguido.



Además en muchos capítulos el nivel de abstracción y desconcierto lleva fácilmente al aburrimiento. El viaje "astral" de la protagonista para volver a ver a sus hijos debía ser uno de los motores de la temporada y se queda en un insípida recuperación de tópicos de la Ciencia-Ficción. No vale sumergir desnudo en un misterioso líquido conector al personaje y "tachan tachán", bienvenido a una nueva dimensión-planeta-tiempo. Una señal evidente que a esta serie se le acabó la chispa y la gasolina en la segunda temporada, que tendría que haber sido la última.

Calificación: 6

"Kingsman 2" pierde la magia

A pesar de recuperar a Colin Firth (de una manera digna, aunque tampoco es para tirar cohetes), y de tener una buena escena de acción inicial, el retorno de Kingsman no está a la altura. En ningún momento se ven los indudables aciertos de la primera parte y se mantiene la zafiedad macarra e innecesaria de Mathew Vaughn (Kick Ass 1 y 2).

Se incorporan al reparto Pedro Pascal (el agente Peña de Narcos), Julianne Moore, Jeff Bridges, Chaning Tatum, Halle Berry e incluso Elton John. Todos ellos con personajes anodinos, diálogos y situaciones con muy poquita imaginación. Los 143 minutos se convierten en un circo el en que no hay ritmo sino acumulación de chistes bobos y una trama principal desarrollada con piloto automático. Se echan mucho de menos las sorpresas y la vitalidad de Samuel L. Jackson, ese comienzo estupendo con Money for nothing, el final con ese clásico de los 80 (Slave to love de Bryan Ferry), las escenas de entrenamiento, la trepidación de la escena de los paracaidas, el glamour estilo Bond de Colin Firth y la simpatía del joven aprendiz. Todo se ha ido al garete.

Una pena. Otra saga que degenera. Dejo uno de las escenas salvables de esta monótona película.

Calificación: 5

Lo que ví en el 65º Festival de San Sebastián (2017)

No ha sido un año tan bueno como 2016, pero hemos tenido una selección de películas bastante original con comedias y documentales muy valiosos. Os pongo por orden de preferencia las 35 películas que he podido ver.






No más películas de Pablo Escobar

Pablo Escobar es un personaje único para el cine, la TV y el documental. Pero ya ha dado mucho de sí. Es hora de dejar a este cadáver que repose en paz.

Calificación: 5



Glenn Close bien merece el Nobel

La historia me encanta. Con un poco más de desarrollo y bastante menos giros bruscos inverosímiles sería una gran película.

Calificación: 6

"The Leisure Seeker": Caravana cuesta abajo

Paolo Virzi hace su primera película en Estados Unidos con dos grandes actores y un guión "de otro" que no es Paolo Virzi. Se nota.

Calificación: 5



"The Disaster Artist": James Franco redemption

Acaba de ganar la Concha de Oro a la mejor película. Sorprendente. La película es divertida y todo el reparto está muy bien. Pero con esa historia de cineastas hay varias obras maestras.

Calificación: 7



"Custodia compartida": Verdad dolorosa y gran cine

Una de esas películas que te deja triturado en hora y media. Verdad y cine necesario. Una perla francesa.

Calificación: 8



"The captain": Granuja con uniforme

Una historia que capta el interés por su novedad, el saber hacer del director y un reparto desconocido muy entonado.

Calificación: 6,5


"La llamada": Trivialidad cantosa y previsible taquillazo

Esta comedia de acción maneja como pocas el ritmo, los diálogos y la interpretación de cuatro actrices formidables. Eso sí, el que piensa pierda. "Nosotras no pensamos" clama una de las protagonistas en un sincero pronunciamiento.

Calificación: 6

"La peste": Esa España tan muerta...

Alberto Rodríguez es uno de los más grandes del cine europeo, pero esta serie se asfixia en una visión cerrada y monolítica de la Sevilla del siglo XVI.

Calificación: 5´5


"Fe de etarras": Chispazos más que bombas

Borja Cobeaga recupera un poco el ingenio y el humor de sus primeras películas con un reparto muy bien seleccionado.

Calificación: 5´5

"El león duerme esta noche": Desconcertante y amable

Esta película francesa cuenta de una manera peculiar dos historias en una. Las dos son imaginativas y algo incompatibles.

Calificación: 6

"Madre!": El visionario Aronofski

Hace unas semanas ya hablé de mis previsiones sobre la última película de Darren Aronofski. Ahora os hablo de la realidad... Tremenda.

Calificación: 3

"La gran enfermedad del amor"... Para los de Sundance

A Ana le ha gustado bastante más que a mí. Muy menor a las comedias independientes que adoro de los últimos años. Pero para ser producida por Judd Apatow...

Calificación: 6



Darín presidente

Ricardo Darín acaba de recibir el Premio Donostia. Merecería también el Kursaal y el Victoria Eugenia. Como poco.

Calificación: 6



Fernando Franco se agiganta

Morir es una película grande de verdad. Marián Alvarez y Andrés Gertudix están inconmensurables y el recorrido de Fernando Franco es doloroso y muy completo. Un retrato de humanidad y amor en prueba fascinante.

Calificación: 8

El autor detrás de "Converso"

David Arratibel ha logrado con un documental religioso poner de acuerdo a casi todo el mundo. A Converso le siguen lloviendo premios y elogios merecidamente. En Donosti he entrvistado 20 minutos a este autor de sello propio.

"Soldados": Inverosímil porno rumano

Cuando el cine pretende ser veraz a base de sordidez suele producir muermos agotadores como esta versión rumana de la extraña pareja.

Calificación: 3

"La vida y nada más": Y nada menos

Por ahora lo más completo que he podido ver en la Sección Oficial. Un recorrido con vida y poesía en cada escena.

Calificación: 8



"Converso": El arte de escuchar

David Arratibel acierta en el tono con un documental complejísimo, creativo y veraz sobre la conversión al cristianismo de su familia. Incluyo en esta entrada el trailer, la vídeocrítica y una entrevista al director y guionista de la película.

Calificación: 9





"Borg McEnroe": Duelo legendario, cine mediano

Shia Labeouf nació para interpretar a McEnroe. Él es lo mejor de la película junto con la recreación de la mítica final.

Calificación: 6



"El museo de las maravillas": Caos preciosista

Todd Haynes firma su peor película. Esteticismo agotador en una narración confusa que intenta solucionarse en un final acelerado y empobrecedor.

Calificación: 5



"Marrowbone": De prometedora a esperpéntica

La película tiene una conducción muy acertada en los primeros compases, pero el la última media hora es desastrosa.

Calificación: 5



"Pororoca": la Concha en manos rumanas

Una de esas películas que hacen furor en un festival para después desaparecer para siempre. Puede ganarlo todo.

Calificación: 6


Lynne Ramsey y Joaquin Phoenix en su salsa psicodélica

Supongo que para hacer esta película habrá que tener refuerzo de sustancias tóxicas. Estoy convencido que para entender toda la grandeza de esta película multipremiada, también.

Calificación: 3



"Una especie de familia": omnívora Barbara Lennie

A veces el cine argentino se pierde en un ritmo lento que acaba por agotar. Una película olvidable con una actriz española que devora cada plano.

Calificación: 5´5 



Bruna Cusí y el arte de saber elegir

Una actriz que te la crees en cada plano. Muy joven todavía ha sabido elegir papeles magníficos en series y películas que no me cansaré de alabar en este blog.

Schwarzeneger y el mundo marino

Arnold está siendo la estrella del Festival de Cine de San Sebastián. Sólo pone la voz en off de un documental de Cousteau Jr. Suficiente.

Calificación: 7



"120 BPM": Poco cine y mucho discurso

Muy poca emoción para tantos minutos de retórica unidireccional. No ha sido el año de Cannes.

Calificación: 5

Carla Simón, la directora que lo está ganando todo

Con su opera prima ha conquistado los festivales de Berlín, Málaga. Y ahora a por los Goya para acabar con los Oscar. He hablado un rato con ella en el María Cristina.

Divertida trivialidad de Nakache y Toledano

Con C´est la vie! los directores de Intocable montan una boda a lo grande y les sales una comedia ingeniosa dirigida a gustar al gran público. En el pase de prensa en el Victoria Eugenia la carcajada ha sido continua.

Calificación: 7´5



El efectismo hiere a McDonagh

Hasta ahora es de las películas más imponentes del Festival de Cine de San Sebastián. Aún así, el director de Escondido en Brujas y Siete psicópatas no acaba de lograr la excelencia.

Calificación: 7´5  



"The Charmer": un persa en Dinamarca

Milad Alami es un director iraní que comparte errores de primerizo y aciertos de artesano consumado. The Charmer es una opera prima muy valiosa visual y narrativamente.

Calificación: 6,5

"Inmersión": Wenders no ilumina a la pareja perfecta

Es bastante mejor que las últimas películas no documentales de Wim Wenders. Pero Alicia Vikander y James McAvoy merecían un guión mejor dialogado y desarrollado. Y mucho menos aséptico.

Calificación: 5,5

"The Third Murder": Qué difícil es ser Koreeda

Está Nadal, Messi, la selección española de Basket.... Y Koreeda en San Sebastián. Impagables valores seguros.

Calificación: 9



"En cuerpo y alma": Peculiaridad húngara

Esta película húngara dirigida por una mujer ganó el Oso de Oro a la mejor película último Festival de Cine de Berlín. Distinta y muy sugerente en varios momentos.

Calificación: 8



"The Square": El peligro de lo inabarcable

La Palma de Oro de Cannes de este año tiene de todo. 144 minutos en los que sobra metraje y dispersión pero no faltan momentos de auténtica genialidad.

Calificación: 7,5



"El autor"; Un perdedor a la caza de personajes

Manuel Martín Cuenca ha hecho una película diferente basado en un relato de Javier Cercas. Ha contado con un reparto grande.

Calificación: 5

"Handía": Romanticismo gigante

Una película para ver en pantalla grande y no perderse ni un milímetro de toda su belleza. Los directores donostiarras de Loreak siguen haciendo un cine insólito e imprevisible.

Calificación: 7



"Call Me by Your Name": Entre Freud y Visconti

Es uno de esos títulos de los que se va a hablar mucho, así que Ana y yo no nos quedamos cortos y decimos lo que pensamos.

Calificación: 6



En el Kursaal con Isabel Coixet

En medio del Festival he podido hablar con Isabel Coixet de sus dos últimas películas. Y también de su primera serie. Esta directora catalana tiene talento y no para de trabajar en ideas nuevas. Me alegra que hable tan bien de Verano 1993.




"Barry Seal": A mitad de vuelo

Tom Cruise da con la tecla en la interpretación pero ni Doug Liman (El caso Bourne, Jumper, Al filo del mañana) como director ni el primerizo guionista Gary Spinelli (La casa de seguridad) resultan tan acertados. Las aventuras de este aviador que trabajó a la vez para la CIA y para Pablo Escobar era un argumento que ya nos habían contado en la muy superior Narcos. Aquí es un tono más banal y ligero, más cercano a esa gran comedia de acción titulada Noche y día.

La historia se sigue con interés pero sin llegar a fascinar como debería. Pesa mucho la redundancia en contar los aspectos más zafios de la vida de Barry, y también que los perfiles de los personajes son muy poco detallados, especialmente la esposa del granuja (muy difícil de creer) y Pablo Escobar (a años luz del carisma que desprende Wagner Moura en Narcos). El jefe de operaciones especiales de la CIA interpretado por Dominic Gleeson (un estupendo actor como ya lo he demostrado en Black Mirror, Brooklyn o Ex Machina), tampoco aporta algo de creatividad a un personaje demasiado trillado.

Por otro lado, al no querer juzgar nunca al protagonista se elimina cualquier apunte dramático y esto resta humanidad y verosimilitud a la película que acaba siendo una atracción de feria con mucha menos espectacularidad que, por ejemplo, Misión Imposible.

Calificación: 6   

Luc Besson y los bichitos de colores

Nunca me he vuelto loco por el cine de Luc Besson, aunque siempre he valorado el riesgo que asumió al ser el primer cineasta europeo en hacer cine de género y competir con Hollywood. Valerian y los ciudad de los mil planetas es su última película y todo un capricho del director francés, verdadero fan desde niño del cómic en el que está basado la historia.

El trailer no engaña a nadie.



Ha costado 177 millones de dólares, de lejos el presupuesto más caro de su filmografía, y ha sido un auténtico fiasco económico. En Estados Unidos ha recuperado sólo 40 y en todo el mundo apenas supera los 220. Eso teniendo en cuenta que 62 millones los ha ganado en China, donde los bichitos de colores les vuelven locos. Con un guion desconexo y psicodélico, los 137 minutos del metraje son insufribles.

Esta escena no tiene desperdicio.



Especialmente irritante es el jefe del puticlub interpretado por Ethan Hawke, una especie de Javier Gurruchaga con acento de Texas, o la enésima versión del sexismo más rancio protagonizado por la cantante Rihanna. Junto a ellos hay naves con muchos neones, infinitos planetas y personajes bobalicones liándose a mamporros sin ningún tipo de lógica o sentido del humor. A la lista de despropósitos se une la banda sonora de Alexandre Desplat es un despropósito to.

No he dicho nada de la pareja protagonista porque con esos diálogos hacen un trabajo encomiable por no ser totalmente ridículos.

Lo único mínimamente digno de este show de gusanoides y luces de colores es la canción final de Alexiane: un reconocimiento merecido al sufrido espectador.

Calificación: 3



Los hombres buenos de Robert Guédiguian

Dentro de unos días podré ver en el Festival de San Sebastian la última película del francés Robert Guédiguian. Hasta entonces he recuperado Las nieves del Kilimanjaro, una película basada en un poema de Víctor Hugo. Esta historia humanista de buena gente que tiene que aprender a vivir en la carestía es entrañable y sincera. Te la crees y te conmueve. Incluso te divierte por momentos. Me ha alegrado ver a un jovencísimo Pierre Niney (grandioso protagonista de Frantz) como un simpático camarero que con sólo mirar al cliente sabe qué es lo que le apetece en ese momento.

Películas sobre buenas personas que además intentan ser mejores no hay tantas, y ésta es de las mejores que he visto últimamente.

Calificación: 8





 

PlastITerror

Había mucha expectación por esta nueva versión de la novela inacabable de Stephen King (casi 1500 páginas. El director es el argentino Andrés Muschietti que me defraudó con Mamá, una película de terror que empezaba bien pero terminaba con una última media hora muy fallida. No me he leído ni una palabra de la novela, así que no puedo hacer comparaciones con el original. Pero la película es un desastre. Principalmente por un guión que colecciona personajes y diálogos de plástico. No sé qué ha quedado del guion original de Cary Fukunaga que reescribieron Chase Palmer y Gary Dauberman, pero el resultado final es lamentable.

Qué colección de personajes abofeteables: el gordito abobado, el chico de Stranger Things en versión adolescente salido, el dueño de la tienda que se idiotiza ante la Lolita de turno... Todos están cortados con tanta tosquedad que es imposible que te importe lo que les suceda. Y eso que reciben un castigo considerable.

El payaso que parece una copia adolescente del joker babeando y sus amigos medio zombis tampoco sugieren nada más que una simpleza ridícula. Los constantes sustos con música previsible -no vaya a ser que nadie se sorprenda-, no llevan al miedo sino a la risa ante tanto monstruito epiléptico.

Viendo It uno se da cuenta lo hábil que es James Wan y lo valiosa que es Stranger Things. No hay color.

Calificación: 4



 

El tío político de "Breaking Bad"

Vince Gilligan, desarrolló una precuela sobre uno de los personajes más representativos de la serie Breaking Bad. Posteriormente conocido como Saul Goodman, Jimmy McGill es, tal y como lo define uno de los personajes de Better Call Saul, “el típico abogado que siempre eligen los que son culpables”. Es un tramposo sin remedio y un perdedor superviviente. Pero su patético sueño americano es tan divertido y conmovedor que resulta muy cercano.

Es muy fácil empatizar con este abogado que empieza su carrera en un despacho claustrofóbico en la parte trasera de un salón de belleza oriental. Otro se hundiría trabajando en un lugar así pero Saul siempre va hacia adelante. “Es un lujo poder tener sillones relajantes y agua de pepino gratis en horario nocturno”.


Hay mucho humor e inteligencia irónica en el guión de esta serie, especialmente en algunos capítulos como el 5 o el 6 (éste último nominado a un Emmy). El tono recuerda mucho a la serie Fargo y en general a las películas de los hermanos Coen. El inventor fascinado con una patente de “retretete inteligente especial para niños”, los gemelos skaters o el hermano de Saul que se pasa el día en casa envuelto en una manta plateada que le proteja del mundo exterior… Todos ellos componen un planeta de paranoicos en el que este abogado perdedor es un ejemplo de cordura y sensatez.


El trabajo interpretativo de todo el elenco de actores es sobresaliente. Cada uno de ellos aprovecha sus magníficos diálogos para hacer que la serie sea interesante en cada uno de sus múltiples giros. El compositor Dave Porter (Breaking Bad, The Blacklist) y la directora de montaje Kelly Dixon (The Walking Dead, Halt and Catch Fire) aprovechan la oportunidad de tener libertad creativa para hacer todo un despliegue de imaginación. Todo esto hace que la serie arriesgue con mucha frecuencia hasta llegar a ser una de los títulos más inclasificables y originales de los últimos años.

Calificación: 8

Lo mejor de Ramón Campos

Ramón Campos, gallego, nacido en Noia, en 1975, ha escrito y producido hecho muchísima televisión. Gran Reserva, Hispania, Bajo sospecha, Gran Hotel, Velvet, Las chicas del cable... Todas ellas tienen un sello de calidad y también muchas costuras a la vista cuando la temporada se hace demasiado folletinesca para captar la atención. Lo que la verdad esconde: El caso asunta es un documental de 3 capítulos sobre uno de los asesinatos más mediáticos en España en los últimos años.

Aunque es un caso del que sabemos mucho, esta docuserie aporta nuevos datos con enfoques novedosos. La edición y la selección de declaraciones es completísima con grabaciones en los juzgados, la cárcel, con amigos del matrimonio Basterra... El documental logra ser objetivo e imparcial dejando que el espectador decida por sí mismo. En mi opinión es lo mejor que ha hecho Ramón Campos y una de los mejores docuseries españolas de los últimos años.

Calificación: 8

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